Faire entendre, sans l’intermédiaire de CD ou autres formats.

C’est une enceinte posée sur le sol, qui raconte les bruits du quotidien. Des voitures, le clocher d’une église, le vent qui souffle… Yohan a tout d’abord demandé aux gens qui le voulaient, d’aller dans un lieu, et d’écrire de façon concise les bruits qui les entouraient. Il a ensuite sélectionné le meilleur texte, et a demandé à l’auteure de le lire, pour pouvoir l’enregistrer avec plusieurs intonations différentes. Lors du mixage il a ensuite réuni ces pistes audio avec des bruits aléatoires de la rue, ce qui donna le résultat final qui dure 5 minutes 38. On restitue un son par le texte. On crée un récit, on crée un paysage musical.

Juste pour essayer`

trois fois rien

En 2ème année Design Graphique, Andréa ANZALA s’intéresse à la retranscription d’idées/d’information dans le milieux du Design. Par « retranscription d’information », j’entend le fait de la manipuler, la transformer, la réadapter pour la rendre accessible au plus de personne possible.

Elle a ainsi, en guise de projet personnel, choisie de retranscrire un livre de conte: « Ti-Jean l’horizon ». Voulant traduire le texte en image, elle a élaboré une couverture à ce livre.

Généralement utilisée par les secrétaires au début du 20e Siècle, la sténographie intrigue autant qu’elle fascine. Dans le cadre de ses études, Claire, étudiante en 3e année de design graphique, s’est penchée sur le sujet. Définie comme une prise de note, la sténographie est l’art de se servir d’une multitude de signes pour écrire aussi vite que la parole.

Au commencement de ce projet, Claire a d’abord numérisé les différents symboles dans le but de stabiliser ces mêmes signes et de les travailler comme des caractères typographiques. Cependant, elle a décidé d’aller encore plus loin en ce qui concerne la conception de son rendu final. Claire a pour projet de créer une application utilisant le tracé du doigt. Le principale enjeu pour elle étant de faire comprendre par l’experimentation, son application pourra aussi être utilisée comme un outil qui servirait à la comparaison de la vitesse d’écriture.

Un de ses objectifs premier reste celui d’expliquer l’origine de la sténographie, ce que c’est et à quoi ça sert et ce que cela représente.

Ainsi, elle réalise tout un travail sur le contexte historique, économique mais aussi technique autour de cette méthode qui n’évoque bien trop souvent qu’un code crypté.

Moi-même fascinée par cette méthode d’écriture, ce travail suscite la curiosité et incite à se pencher encore un peu plus sur le sujet.

Et s’il était possible de regarder le son ? Pourquoi l’écouter quand on peut le voir ?

Rémy Viguié, étudiant en 2éme année Art, afin de répondre au sujet « Des images pour rien » a décidé de s’intéresser au son et à l’image. C’est en créant le son sur le logiciel Logic Pro X et en réfléchissant à l’image qu’il pouvait lui donner qu’il s’est alors rendu compte que les notes que l’on pouvait voir, en fonction de l’instrument utilisé, représentaient à elles seules la totalité du son.

Pour son rendu final, Rémy a fait le choix de n’imprimer que l’image créée à partir de cette multitude de notes et de ne pas faire écouter le son. En choisissant le support qu’est le papier pour retranscrire son travail, il force le spectateur à faire appel à son imaginaire et donc à décoder l’image. C’est seulement à partir de ce moment-là que le spectateur pourra se représenter une image mentale du son sans jamais en connaitre sa réelle nature. Ainsi, il reste libre à chacun de se forger sa propre réalité du son.

De par son manque de données sonores ainsi que celui de la nature du son, l’image devient alors « une image pour rien ». Même si « pour rien », l’image est toutefois placée comme l’élément essentiel qui permet au son d’exister. Ressenti comme un espace virtuel dans la mesure où le son n’est pas matériel, Rémy s’intéresse aussi à l’invisible, aux forces et aux différentes énergies. Il travaille beaucoup à partir de ses sentiments, émotions mais aussi de son intuition. Toutes ces choses étant elles-mêmes immatérielles, seule l’image permet de donner une matérialité concrète.

Il est alors intéressant d’inverser les rôles, regarder le son pour en écouter l’image.

"Après m'être enduite de craie bleue, je suis allée dormir. J'ai choisi ce matériau car il me semblait moins toxique et tachant que de la peinture à l'état liquide ou du pigment à l'état solide. Durant la nuit, les frottements de mon corps contre les draps ont laissé une trace visible à mon réveil. Cette empreinte corporelle, témoignait des positions que j'avais adoptées dans mon sommeil. De par la nature poudreuse de la craie, l'empreinte était assez floue, laissant libre court aux interprétations a posteriori. J'ai sélectionné un seul des draps que j'ai présenté sur un châssis. Tirer et fixer la toile a précisé la forme tout en effaçant les marques témoignant de son contexte de fabrication. L'accrocher au mur et en hauteur permettait une contemplation distanciée. La toile sous-entendait un "toucher" impalpable, comme le font les suaires et autres tissus imprégnés d'empreintes dans certaines croyances. Le tissu perdait ses potentialités charnelles pour ne devenir qu'une image, rendue accessible seulement par l'acte de penser."

Gregory s'est intéressé à l’évolution qu’a eu le crépuscule dans l’histoire, en partant des romantiques jusqu’à maintenant. Il s'est rendu compte que ce dernier est passé de la master piece du romantisme à la master piece du kitsch. A partir de là, il a crée ce qu’il appelle les crépuscule synthétique. Ce sont des crépuscules dont il a ôté tout les détails qui les rendent naturels pour ne garder que les couleurs qui permettent de l’identifier, c'est à dire, des dégradés. Il a ensuite rajouté un rôdoïde par dessus avec une image d’un véritable crépuscule, tramée, pour pouvoir voir le dégradé à travers l’image. Grégory a d'abord produit ce travail sous la forme d'une édition 29,7x42cm puis par des sérigraphies du même format.

Pauline met en place à travers plusieurs de ses projets, un jeu ludique et accessible, mais surtout sensorielle. Elle donne à voir dans son travail, ses expérimentations autour de la question de la couleur, à travers lesquelles elle nous livre sa sensibilité et son émotionnel. Elle opère des jeux entre forme et couleur. La couleur fait office de masse dans le paysage et la masse devient forme, qu’elle transforme en différent matériaux comme la céramique et le tissu, mettant en place les notions du toucher et du geste, pour construire et écrire un paysage, son propre paysage.

A mi chemin entre sculpture et impression, les productions de Victor résultent de diverses expérimentations au sein de l’impression. Qu’il s’agisse de clous, de meuleuse ou de lame de cutter, il utilise différents outils, sortis de leur contexte habituelle pour capter ses monotypes. La gravure implique un support qui, dans le cadre de ses projets, devient parfois lui aussi oeuvre. Presque à la manière d’une fouille archéologique, c’est une quête de la matière, de la texture et de la trame qui s’effectue lors de la gravure, et qui peut finir de se réléver à l’impression. Dernièrement, il a effectué un mélange encre et graisse qui ne sèche pas, et qui questionne la finalité de l’oeuvre. Quand une oeuvre débute-t-elle et se termine-t-elle ?

Les contraintes architecturales d'un lieu sont des supports de réflexion pour Léo qui cherche à construire des projections alternatives au sein de ce lieu.

Dans Planification in-situ 01, il propose à travers une installation in-stitu sur un bâtiment conventionnel et immuable, une manière de penser différemment et collectivement l'architecture en se la réappropriant.

Il utilise la planification comme un espace de réflexion : La planification en architecture est un moment clé, c’est le moment où se concentrent toutes les décisions qui impacteront les usagers ; mais cette étape est pourtant détachée de la vie du lieu, à la fois géographiquement et idéologiquement puisqu'elle est simulée hors-sol par des acteurs extérieurs

En matérialisant un plan éphémère à l’aide de pigment et d’eau, il parvient à relever des problèmes architecturaux existant et à nous faire envisager qu’un autre moyen de création est possible, tendant à la réappropriation collective et à la remise en question.

Le tracé transforme notre rapport à l'espace existant tout comme notre manière d'appréhender sa fabrication, et son éphémérité laisse place à de nouveaux projets collectifs.

Les projets de Julian ont souvent un lien avec la matérialité des objets. Pour lui, un objet graphique doit avant tout s’apprécier de manière sensible. Dès lors, les phases de recherche sont à la fois une étape visant un produit abouti mais aussi à des expérimentations plastiques pouvant être elles même un résultat en soi. Gravite par la suite une narration ou un jeu.

Le jeu, c’est d’ailleurs le sujet de son mémoire. Utilisé comme un outil de production, il devient un outil de transmission et une manière d’inviter le public à s’approprier ses productions. Cosmica par exemple, est un jeu d’exploration spatiale. Chaque joueur doit progresser dans l’univers en retournant les cartes pour trouver ses trois planètes. En manipulant les cartes, c’est un peu leur propre espace immaginaire que les joueurs explorent par le biais des images.

Parfois, ce sont les utilisateurs eux même qui créent une production Tohubohu est un projet de typographie dont les caractères sont fait de blocs que l’utilisateur peut changer afin de créer de nouveaux glyphes et combinaisons, entre jeux visuels, jeux typographiques et jeux de construction.

Un voyage au travers des différentes cartes du monde, c’est ce que nous propose Alexis dans son projet. Prenant conscience de la déformation présentes dans les cartes, il décide de faire des recherches sur ces dernières. Dans un premier temps, il répertorie les différents types de cartes dans une petite édition afin d’en observer les différentes représentations, il s’aperçoit qu’il n’existe pas de « bonne carte », cette dernière varie selon le point de vue d’une personne. Il continue son enquête en créant une autre édition qui répertorie une collection de cartes ainsi que leur chronologie, allant de la première carte de l’humanité jusqu’aux plus récentes. Il met également en avant les différentes périodes de changements techniques et politiques qui ont amené à une évolution des cartes, créant ainsi une frise chronologique. Pour concrétiser sa recherche, il met en place un logiciel à but pédagogique affichant la terre en 3D, sous trois angles différents et à la bonne taille.

A l'origine de ce projet ambitieux, deux personnes : Louis Rigaud et Anouck Boisrobert, auteurs de livres et applications interactives qui ont partagé leurs savoir avec les étudiants dans le cadre d'un workshop. Tous ont su faire voyager le spectateur, entre entre surface manuscrite et numérique, néanmoins, l'un d'eu à su attirer mon attention ; il s'agit de la production de Margot qui m'a fait découvrir l'existence d'une interface virtuelle étonnante. Ecrire est un vrai jeu d'enfant, mais que devient un mail lorsqu'on l'envoie se perdre dans l'univers virtuel avant d'arriver à destination? C'est au coeur de ce voyage que nous entraine Margot par son projet qui se balade entre livret et écran. En effet, un fil se fraye un chemin dans son livret pop-up, rencontrant des obstacles, passant par des étapes et atterrissant à destination. À l'écran, une carte interactive nous révèle les informations étonnante sur ces messages virtuelles.

Les frontières présentent sur chaque territoire marquent notre paysage. Discrètes, elles permettent aux hommes de traverser les régions, pays, continents, pourtant, sans infrastructures, elles sont invisible à l’œil nu. C'est dans le but de les mettre en valeur que Sahar, étudiante en design graphique décide de mettre ses compétences à profils dans ce projet. Ainsi, une page internet nous dévoile les panoramas fait des différentes communes adjacentes à Valence tandis que des panneaux nous indique sur place les frontières à ne pas manquer.

Lors d'une expérience de bénévolat dans le cadre d'une action menée par une ONG au Tibet, en juillet 2015, Pin Shan Ho a beaucoup filmé ce qu'elle voyait. D'autres caméramans étaient aussi présents, et elle les filmait pour montrer les hors-champs de ce qu'ils cadraient. Elle voulait montrer ce que l'écran peut nous cacher, car elle se questionnait sur l'importance du cadrage de l'image, l'influence des médias sur l'opinion publique, et donc de la construction subjective du récit par les images.

Les médias chinois et les médias américains ont une position politique et des points de vue opposés sur la situation du Tibet, et cela l'avait toujours dérangé. Avec ce séjour, même si l'Histoire du Tibet lui échappe encore et qu'elle ne pourrait jamais vraiment saisir la "Vérité", elle aura au moins fait sa propre expérience de ce pays et ses propres rencontres. Dans son mémoire écrit cette année, on peut donc lire tout son témoignage et les photos prises durant son voyage.

Le sujet était « la mesure ». Le travail s’est fait autour du dialect vosgien, situé donc dans les Vosges, par Clara Dujardin.

« Je viens des Vosges, et c’est pourquoi j’ai décidé de prendre le patois vosgien. Le patois, et le dialect sont des sous langues, et sont progressivement en train de disparaitre de notre culture alors qu’elles enveloppent une partie de l’histoire. En tout cas, ça fait parti de la mienne, ayant été élevée et éduquée dans un patois vosgien, sans toutefois le parler, j’en ai toujours conservé quelques traces. Je voulais retracer l’histoire, remettre ce dialect dans un contexte et ce que je peux mesure dans ce dialect. Je me suis basée sur des contes vosgiens, et plus particulièrement ceux de Gérardmer, une ville dans les Vosges. J’ai rassemblé le texte en français et en dialect vosgien, en m’inspirant de Marga Berra Zubieta, qui avait fait un projet autour de 11 polyglottes, en mélangeant plusieurs langues, et en créant des panneaux, pour avoir un rendu très graphiques. J’ai tourné cela de manière très absurde en mesurant chaque mot entre le français et le dialect. Chaque texte est accentué, pour rendre compte des différentes prononciation entre les deux. J’ai travaillé autour d’affiches éducatives, avec quatre éléments graphiques récurrents, qui découlent des analyses faites sur les textes. Au dos, toujours en restant dans quelque chose des très graphiques, on retrouve un tableau avec le temps de chaque mot vosgien, à coté le temps des mots en français à être prononcé, la durée de la phrase, et l’échelle pour se repérer aux éléments graphique. Je l’ai également travaillé sur des petits mots du patois vosgien, sous forme de carte postale, pour conserver le coté mémoire historique. »

Les jeux de société font leur grand retour dans nos salons. Et la bonne nouvelle, c'est que les jeux de plateau ne sont pas en reste ! Alors on fait un peu de place sur la table et on s'installe devant "Donnez-moi un sens". Imaginé par Marie à la suite d'une longue documentation et de parties endiablées, le jeu nous plonge dans une ambiance médiévale tout en nous donnant matière à réflexion sur nos modes de vie. Le temps et l'argent, obsessions de nos époques contemporaines, sont les problématiques principales abordées au cours de l'histoire. Parce que le jeu peut aussi être intelligent, je vous invite à choisir votre personnage et découvrir la vie qui vous attend. Les dés sont jetés, à vous de jouer.

Derrière le mur, loin des autres choses du monde, il y a des tissus accrochés. Une série plate, parsemée de bleu, d'eau et d'air. Rien de consistant à la surface à première vue. Approchons-nous un peu : on y a cousu au fil rouge. Des chemins, puis des routes de ce fil. Des cartographies. Alors on se surprend bien curieux spectateur; on voudrait savoir ce qu'il advient ce fil, nous, les aventuriers de l'espace. On le suit, on ne le lâche pas. Et puis, du coup, ça n'a pas vraiment de sens toute cette couture. On se penche encore légèrement; peut-être que l'on n'a pas bien regardé, que le fil, il recoud la toile, séparée préalablement. Et puis ça y est, on a le nez dedans. Pris. Plus aucun vide entre nous et la peinture. Quelqu'une a réparée les espaces.

Il était une fois, une jeune étudiante en art voulant faire passer un message à travers des images sans texte. Dotée de colle et de ciseaux, elle se lance alors dans plusieurs collages à partir d’images pré-imprimées, et reconstitue une simple histoire en 5 illustrations (qui prendra au final la forme d’un livret accordéon). Pour cela, elle part d’un passage connu de tous pour toucher un maximum de personnes, revisité à sa manière : une Blanche-Neige version Calamity Jane. Et non, la princesse ne va pas croquer dans la pomme que la vieille sorcière glauque lui propose, elle va plutôt la tuer avec un pistolet sorti de sous sa jupe. Vous avez dit violent ?

Pour faire passer un message en tout cas, c’est réussi : fini la princesse niaise et naïve qui se laisse tenter par l'offre d'une inconnue. Andréa propose donc une remise en question de l’image de la femme dans les contes pour enfants, et on préfère de toute évidence cette Blanche-Neige forte et instinctive qui n'a pas froid aux yeux.

Ce projet parle de mon rapport avec les végétaux, c'est un thème qui est récurrent dans mon travail. Je vais souvent cueillir des plantes en forêt, et je garde ces échantillons dans des petits pochons hermétiques. C'est une interrogation sur le geste de la cueillette mais aussi le temps qui passe entre la floraison, la fanaison, comme un cycle. Le végétal et les végétaux sont comme une figure allégorique ou symbolique qui revient souvent dans mes écrits et mon travail plastique. En l'occurence, dans cet écrit, cela prend une forme assez poétique, qui parle des différents états, des différentes étapes dans la vie d'un végétal.

Hello

Une collection de dessins

De petits dessins sur un vaste format

Le support est une prolongation du dessin

Aléatoire, la raison sans raison

Un livre de table.

Léa avait envie de créer un objet sans utiliser les technologies d’aujourd’hui. Un objet entièrement conçu à la main. Elle voulait apprendre par l’impression. Reliure, lettrage, illustration. Unique, matières, touché, sensible.

Son édition est un livre d’illustration du conte de Sabine D’Halluin : « les perles de larmes ». Elle aime cette histoire car malgré le fait que ce soit une légende pour les enfants, les poèmes de Sabine D’Halluin sont pleins de métaphores. C’est l’histoire d’un personnage qui marche dans le dessert et qui croise un oiseau. Ils parlent des parles de larmes qu’il porte mais qui l’empêchent d’avancer.

Après s’être renseignée sur la question du « livre pour enfant » elle a, par le biais de linogravures, illustré le récit en le segmentant. La grosse typographie imprimée à la presse et le grain de la peinture suscite l’intérêt des enfants, le livre devient un objet d’expérimentations sensuelles. Parfois super posées ses linogravures représentent : Le paysage, le dessert orange Les différents personnages, un faucon pèlerin connues pour leurs traversés du dessert, le pleureur, en bleu comme les habits des Touaregs.

L'écoconstruction consiste à créer un bâtiment doté des technologies lui permettant de respecter au mieux l'environnement ainsi que l'écologie dans sa construction en cherchant à s'intégrer respectueusement dans un milieu en utilisant des ressources naturelles et locales. Pierre, terre, paille.. Tant de matériaux que Sophie a eu l'occasion de fouler de ses mains en participant à un projet d'écoconstruction en Irlande.

Revenue de son voyage, elle a souhaitée faire part de son expérience en réalisant une performance. Ainsi, Make cob, build a wall, have tea time, make a bottle window vit le jour, avec la participation de six étudiantes de l'école, Sophie en étant chef d'orchestre.

Performance filmée, on y voit donc le déroulement des divers gestes appris par Sophie réalisés par des étudiantes, s’étalant sur quatre actes, guidées par la voix de l'étudiante les appelants par numéros. La composition même des partitions relatent de la spécificité des travaux de cette étudiante, " écrites" dans un style typographique propre à son travail.